Мифологические и библейские сюжеты в западноевропейской живописи из собрания ГМИИ РТ.
Выставка мифологических и библейских сюжетов в западноевропейской живописи из собрания Государственного музея изобразительных искусств Республики Татарстан знакомит посетителей музея с коллекцией западноевропейского искусства (основу которой составляет «картинная галерея» Андрея Фёдоровича Лихачёва). Андрей Фёдорович целенаправленно занимался формированием живописной коллекции, он часто выезжал в Европу, приобретая и заказывая там произведения западноевропейских мастеров. Почти вся коллекция западноевропейской живописи ГМИИ РТ, за небольшим исключением, обязана своим происхождением А.Ф. Лихачёву (1832 – 1890). В 1891 году вице-адмирал российского флота Иван Фёдорович Лихачёв выкупил коллекцию брата у его вдовы и передал городу. А в 1932 году несколько весьма качественных картин были переданы из музея имени Пушкина (ГМИИ им. А.С. Пушкина), в том числе – «Поклонение пастухов» Леандро Бассано и «Семь дел милосердия» Франса Франкена Младшего, которые представлены в экспозиции. Выставка включает работы итальянских, французских, нидерландских, фламандских и немецких мастеров.
«Мифологический жанр» в западноевропейской живописи появился в XV веке как возможность изображения обнажённого тела с его анатомией и скульптурной моделировкой. Это было связано с интересом Раннего Возрождения к пластическому наследию античности. Изначально мифологический жанр предполагал изображение героев Древней Греции и событий, связанных с их жизнью. Но постепенно, к XVII веку на картинах появлялись сюжеты, наполненные особым смыслом, затрагивающие эстетические и нравственные проблемы, приближённые к жизненным реалиям. Библейская же тематика была основой западноевропейского искусства в XIII и XIV веках и сохраняла актуальность, по сути, до XIX века.
В XVI веке античная мифология проникает в живопись Нидерландов и Германии. В XVII веке настаёт черёд Франции и Фландрии. Источником сюжетов были «Метаморфозы» Овидия, излюбленными персонажами – Венера, Аполлон, Диана, Амур, Вакх, а также Геркулес и Орфей; аллегорические и назидательные мотивы – чувственность и целомудрие, героическое и творческое начало – в противовес добродетельной созерцательности христианства. Что же касается библейских персонажей – то чаще всего изображались Дева Мария, Иоанн Креститель, Христос, причём с Христом связан наиболее широкий спектр сюжетов, самыми распространёнными из которых были: Рождество (включающее ряд сопутствующих мотивов – в частности, Благовещение пастухам), Бегство в Египет, Крещение, Тайная вечеря, Страсти, Распятие, Оплакивание и Воскресение. Последний сюжет в западноевропейской живописи трактуется на основе апокрифических источников (в канонических Евангелиях нет описания самого процесса воскресения).
Итальянская школа представлена периодом Высокого и Позднего Возрождения – это группа картин на евангельскую тему: два «Благовещения» (Бенвенуто Гарофало (Феррара) и неизвестного мастера XVI века) и «Поклонение пастухов» Леандро Бассано (Венеция). Типичным для школ венецианской живописи является чувственная игра форм, большое значение цвета и необыкновенное чувство света, которое придаёт картинам нечто поэтическое и элегическое. Традиция венецианской школы, отличается превосходством цвета над линией, контрастирует с маньеризмом, распространённым в остальной части Италии. Венецианский стиль оказал большое влияние на последующее развитие западной живописи. В начале XVI века феррарская школа сближается с римской и венецианской школами и приобретает черты эклектизма (Бенвенуто Гарофало).
Нидерландская школа на выставке представлена картиной «Пейзаж с Авраамом и Исааком» Якоба Гриммера. Художник, относившейся по возрасту ещё к поколению Брейгеля, на своих идиллических по настроению, маленьких по размерам картинах запечатлевает сельские пейзажи окрестностей Антверпена. Для его композиций характерны простота и сжатость. Свои картины, излучающие интимное настроение повседневной действительности, Я. Гриммер строил весьма экономно, используя лишь небольшое число мотивов. Он стремился к целостной организации пространства, к гармоничности красок и подчёркивал настроение своих пейзажей тем, что давал почувствовать изображённые на них атмосферные явления. Картина удивляет чистотой и цельностью мировосприятия. Мастера того времени стремились к созерцанию природы как потока прекрасного ощущения окружающего. Необходимо упомянуть и о другой функции пейзажа в картинах художника: о его участии в композициях на Евангельские темы. Даже тщательно написанное изображение природы остаётся лишь «сценической площадкой», пейзаж используется художником только как фон.
Франс Франкен Младший – фламандский художник эпохи барокко, один из наиболее известных мастеров фамилии Франкен. Талантливый живописец, он писал небольшие картины, полные любопытных деталей и увлекательного рассказа. Чаще всего его привлекали мифологические и библейские сюжеты, в которых стремление к достоверности изображения сочеталось с интересом к аллегоричности и символике содержания. На выставке представлена его картина на евангельский сюжет – «Семь дел милосердия».
В Евангелии от Матфея Христос говорит, обращаясь к праведникам, о шести делах милосердия: накормить голодающих, напоить жаждущих, приютить путников, одеть нагих, посетить больных, посетить заключённых. Седьмое – похоронить умерших – не упоминается, но именно изображение этого дела милосердия было весьма распространено в период позднего Средневековья, когда в Европе свирепствовала чума. В многочисленных произведениях на эту тему Франс Франкен II каждый раз по-новому варьирует составляющие её эпизоды.
Так, в картине из собрания ГМИИ РТ на первом плане представлена сцена «Раздача хлебов», иллюстрирующая сюжет первого из дел милосердия. В левой части композиции на одной крытой террасе изображён богач, делящийся одеждой с бедняками, на другой – родственники, навещающие больного. Художник нашёл своеобразные архитектурные ниши почти для каждого из дел милосердия: например, в сцене «Посещение узника» (справа на втором плане) фигура заключённого видна в окне тюремной башни. Под архитектурным навесом, слева, в глубине, изображён гостеприимный хозяин, приглашающий пилигримов в свой дом. Исключение составляют лишь две сцены: «Утоление жажды» (справа на втором плане) и «Похороны умершего» (в глубине). Они располагаются в более открытом пространстве на фоне собора и кажутся заключёнными в рамки архитектурных форм.
Французская живопись представлена на выставке такими известными именами как: Жан Лемер («Древние развалины»), Никола Бернар Леписье («Геркулес»), Гюбер Робер («Пейзаж с Танкредом и Клориндой»).
Ж. Лемер работал в Риме и писал архитектурные пейзажи. В отличие от венецианцев изображавших всегда современный вид города, римские мастера архитектурного пейзажа посвятили себя «живописи руин», которая была своеобразной данью уважения былому величию Италии. Согласно атрибуции А.Ф. Лихачёва, картина приписывалась Дж. П. Панини – за авторство Лемера впервые высказалась Н.К. Серебряная (Государственный Эрмитаж, 2002), а затем – Я. Кеннеди (США, музей Нельсона Аткинса, 2007).
Вторую половину XVIII – начало XIX веков представляют мифологические и литературные сюжеты. Это «Геркулес» Н.Б. Леписье, «Нимфа», приписывавшаяся Лихачёвым Ш.Ж. Натуару, и «Пейзаж с Танкредом и Клориндой» Г. Робера. Последний можно отнести к «группе редких сюжетов» - обращаясь к «Освобождённому Иерусалиму» Тассо, художники того времени обычно изображали Эрминию, склоняющуюся к тяжело раненому Танкреду (в данном случае изображён более ранний эпизод – Танкред поддерживает смертельно раненую им Клоринду).
Западноевропейскому искусству XVI – XVIII веков свойствен анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений.
Настоящая выставка преследует две цели: показать важную часть коллекции музея, в том числе произведения, ранее не показывавшиеся или получившие новые атрибуции, и показать тенденции развития западноевропейской живописи и её достижения. Коллекция музея позволяет это сделать с достаточной полнотой, причём диапазон художественных решений достаточно полон и разнообразен. Как нам кажется, выставка может представлять интерес и для широкой публики, и для специалистов.
В экспозиции представлена классическая гравюра Западной Европы и России XVI–XVIII веков из собрания Государственного музея изобразительных искусств Республики Татарстан. Большая часть гравюр происходит из коллекции Григория Ивановича Мешкова (1810-1890), пензенского дворянина, собирателя, последние двадцать лет жившего в Казани. В историю провинциальной культуры Г. И. Мешков вошел и как знаток местной старины, и как автор рукописных мемуаров, часть которых была опубликована, а также как автор одного из первых в России переводов сочинений А. Дюма-отца об искусстве, жизни и творчестве великих европейских мастеров живописи и других книг. Рукописи Г. И. Мешкова и поныне хранятся в крупнейших библиотеках Москвы, Санкт-Петербурга, Казани, Пензы. Истинный любитель древностей и искусств, он оставил Казани и Казанскому университету одну из самых значительных коллекций книг, рукописей и гравюр, за что ему было присвоено звание почетного члена Императорского Казанского университета.
Эта выставка, объединившая известнейших мастеров Италии, Нидерландов, Голландии, Фландрии, Англии и России, посвящена воплощению мифа в гравюре. Античность – это то новое, что Италия эпохи Возрождения открыла миру. Гравюра стала одним из главных источников распространения по всей Европе новых тем, аллегорических сюжетов, утонченных и грациозных образов античности.
Боги и герои были совершенны, и ранняя гравюра эпохи Возрождения и маньеризма, где отразилось ренессансное увлечение античной трактовкой тела, часто решала пластические задачи, в том числе и связанные с изображением обнаженного тела. К таким гравюрам принадлежат и самые ранние из представленных в экспозиции оттиски конца XVI века. Один из них, «Похищение Ганимеда», воспроизводит рисунок Микеланджело, известный нам только по гравюре. Второй - «Юпитер», из серии «Восемь божеств» 1592 года принадлежит одному из самых виртуозных нидерландских мастеров, Хендрику Голциусу. Эта серия была исполнена им в Италии с фресок Полидоро да Караваджо, имитирующих античную скульптуру.
Множество аллегорических гравюр посвящены темам и образам, связанным с позднеантичной и средневековой культурой: добродетели и пороки, персонификации темпераментов, планет, сторон света, стихий и времен года. В образной форме иносказательно здесь раскрывались самые общие представления о мире и месте человека в нем.
В искусстве XVII века художники чаще говорят на языке аллегории. Придворное искусство французского академизма нередко использовало аллегорию и гравюру для прославления монархии и личности Короля. «Королевские шпалеры» принадлежит к серии гравюр, которые в соответствии с грандиозным замыслом Людовика XIV, воспроизводили самые значительные произведения искусства из его собрания. В их числе сюита Себастьяна Леклерка, исполнившего гравюры с аллегорическими изображениями четырех стихий и времен года по картонам для гобеленов Шарля Лебрена, «первого художника короля», директора Королевской Мануфактуры Гобеленов, главного законодателя «большого стиля» эпохи Людовика XIV. Аллегории времен года, представленные в образах античной мифологии, даны на фоне реального пейзажа с изображением королевских резиденций: сада Версаля («Весна»), садов и замка Фонтенбло («Лето») и других.
В экспозиции можно увидеть также гравюру Бернара Пикара «Триумфальное вступление Александра Македонского в Вавилон», один из шести листов цикла «История Александра», или «Триумфы Александра». Созданная по картинам Шарля Лебрена в первой половине 1660-х годов, эта серия, прославлявшая Людовика XIV как «нового Александра», непобедимого европейского властителя нового времени, стала подлинной аллегорией царства «Короля-солнца» и быстро получила известность. На мануфактуре Гобеленов по картинам были выполнены огромные шпалеры, серия не раз гравировалась разными граверами. Оттиски официально рассылались французским двором в составе томов издания «Кабинет Короля», утверждая славу французской монархии.
Далекий от обыденности, идеальный героический мир античной мифологии, с его образами богов и героев, сюжетами триумфов и сражений, охот и вакханалий, оказался близок полному динамики, драматизма и чувственной энергии искусству барокко. Созданная под руководством Рубенса для воспроизведения его картин блестящая школа профессиональных граверов, выработала новый язык в гравюре, соответствовавший фламандскому барокко, и, прежде всего, живописному динамичному стилю самого Рубенса. Исполненная по его оригиналу гравюра Корнелиса Висхера II«Ахилл среди дочерей Ликомеда» - один из блестящих образцов этого искусства.
В искусстве Нидерландов, проникнутом острым ощущением связи жизни человека с общим механизмом Вселенной, с начала XV и до XVIII столетия сохранялась непрерывная традиция изображения времен года и месяцев. У голландских художников XVII века, со свойственной им поэтизацией повседневной жизни, эти изображения приобретают жанровый облик. Примером может служить гравюра «Июнь» голландца Ёнаса Сёйдерхуфа, прославившегося своим искусством при дворах Европы. Это один из листов серии «Двенадцать месяцев» по композиции Иоахима Зандрарта. Несмотря на жанровый характер, изображенная в гравюре сцена заключает аллегорический смысл.
Геракл (Геркулес), получивший бессмертие и присоединившийся к Богам, был одним из наиболее почитаемых героев античного мира. Его образ был популярен в искусстве Ренессанса, барокко, классицизма, где он наделялся разным аллегорическим содержанием. На выставке можно увидеть офорт Якоба Фрея по композиции Аннибале Карраччи (или Карло Маратти?) с редким сюжетом «Геркулес на распутье». Здесь герою предстоит выбор между добродетелью и пороком, между жизнью деятельной и бездеятельной. Гравюра посвящена проблеме нравственного выбора, представленного в образах античной мифологии. Свободные от своих прототипов, герои классической античности превращаются здесь в отвлеченные аллегории современного художнику искусства.
Русская школа представлена гравюрами Гавриила Ивановича Скородумова, с именем которого связано появление в России цветной печати с металла и введение техники пунктира, освоенного им в Англии, у Франческо Бартолоцци. Отдавая дань модному во второй половине XVIII века искусству сентиментализма, и в том числе, произведениям Анжелики Кауфман, Скородумов исполнил ряд гравюр по ее оригиналам. К ним принадлежит и лучший из его листов, «Жертвоприношение Церере» 1778 года, существующий в разных по цвету оттисках. На выставке можно увидеть редкие гравюры мастера, напечатанные в тоне сангины.
Эта выставка не только знакомит с шедеврами гравюрного искусства, но и дает возможность проследить метаморфозы образов мифологических героев, как «осовремениваясь» и наполняясь новым, незнакомым античности содержанием, они обретали новую жизнь и этим истинное бессмертие.
